Cine de la ex Yugoslavia

 "Underground (1995)"

El mayor logro que tiene esta película es la manera en que utiliza todos sus recursos para encajar con el tono que busca, eso se me hace muy inteligente, puesto que muchas películas con temática social suelen buscar una seriedad y un tono más melodramático para poder generar emociones fuertes al espectador, de cierta forma manipulándolo al exponerlo a situaciones de gran carga sentimental, pero en esta película, si bien se podría decir que también utiliza cierta manipulación, ese mensaje social es transmitido de una manera diferente, que a su vez la hace más única. Esta forma tan especial proviene del tono, que se establece desde la primera escena, en la que la película te recibe con un estruendo musical de trompetas y de un caos sonoro lleno de gritos y disparos por parte de nuestros dos protagonistas. Esta es una película que encuentra un balance entre tomarse en serio y en ser una burla, debido a que la manera en que te contará la historia es a través de un contexto tan absurdo que hace que cuando se note cierta similitud entre la realidad y lo absurda de la ficción, el mensaje caiga en uno mismo, buscando esa reflexión personal, pues el mensaje es lo serio de la película, es una denuncia social sobre la crudeza y el sinsentido del contexto en que se encontraba Yugoslavia. Además de ese juego entre realidad y ficción, el mensaje se refuerza en el contraste emocional generado por el cambio de tono en el avance de la película, puesto que empieza siendo en sus dos primeras partes una explosión de comedia y de exageraciones de la realidad, convirtiéndose en algo más deprimente cerca de su final, esto lo podemos apreciar en dos acciones paralelas, en la primera Ivan se cuelga como intento de suicidio en la cocina de su casa, esto después de haber estado en la explosión del zoológico, es absurdo el como su hermano no lo toma en cuenta, la escena no está construida para sentir tristeza por Ivan, solo se genera cierta pena por él, mientras que avanzando la película esta misma acción se repite en un contexto diferente, Ivan destrozado tras ver lo que la guerra ocasionó en su país, decide colgarse del campanario de la iglesia, ahora la escena está construida para realmente sentir tristeza por Ivan, puesto que se conoce la razón de su acto, una misma acción con distintos tratamientos, esto a través de la forma del cine, del tono, la primera Ivan grita y produce movimientos en su cuerpo, exagerando su dolor, el plano es fijo y los colores son cálidos, esos colores amarillentos que están presentes en las primeras dos partes de la película; en la segunda Ivan está colgado sin hacer ningún movimiento, sus ojos están abiertos y es la soga lo que hace que se mueva colgado, en un balanceo sádico, se filma con cámara en mano, acercándonos al rostro de Ivan, dando esa inestabilidad y mayor caos a la toma, además que los colores ahora son desaturados y hay un humo que va cubriendo la escena, generando aún más incomodidad. 

Gran parte del tono también es reflejado a través de la actuación, teniendo a sus tres protagonistas con gran desarrollo dramático, en donde vemos como sus deseos e intenciones son llevadas a extremos, esto no quiere decir que los personajes sean caracteres planos, si bien cada uno tiene características que son exageradas, no dejan de tener distintos aspectos que los hacen destacar y tener un buen desarrollo dramático, por ejemplo, Marko siendo quien se lleva la mejor evolución conforme avanza la trama, pues empieza siendo un personaje sirviente de su amigo Petar, pero va tomando el liderazgo hasta convertirse en cierta manera en el villano de la película tras mantener a sus amigos e incluso a su hermano debajo de la tierra, alejándolos de la realidad, y cerca del final lo vemos consumido por su ambición llevándolo a matar a todos los que vivían debajo, todo esto concluyendo con su muerte al ser quemado junto a su esposa, esto después de un fallido intento por vender armas ilegalmente.

Otro aspecto destacable de la película es el gran trabajo que tuvo el diseño de producción, al contar con bastante presupuesto, esta película no escatima en lo que puede hacer, lleva su diseño de producción a un extremo, siempre manteniendo su tono, por lo que si bien en otras películas sería una exageración, aquí queda bastante bien el como logra crear todo un mundo debajo de la tierra, haciendo una comunidad con sus propias costumbres y construcciones, es muy interesante el como esa sociedad debajo, al estar apartada del mundo exterior y por tanto de las nuevas tecnologías, va creando sus propias herramientas e inventos. Esto es fundamental para hacer notar como es un mundo que se quedó estancado en su propio tiempo, haciendo una comparación con la realidad de Yugoslavia.

Para terminar, también es importante mencionar como la película crea este juego entre realidad y ficción por medio del montaje, interviniendo material documental que muestra los acontecimientos históricos que sucedieron en esos tiempos en Yugoslavia, es divertido el ver esa doble exposición con Marko interviniendo en momentos importantes, pero a su vez se crea cierta extrañeza al ver lo bien que está hecho esa edición. Además de esto, otra forma en que el montaje aporta más peso a la trama, es a través de dividir la película en tres partes, siendo la guerra, la guerra fría y la guerra, nos da un panorama desesperanzador sobre como el país no ha avanzado y siempre termina envuelto en conflictos.

"Grbavica (2006)"

Esta película al igual que Underground busca hacer una denuncia social, pero de una forma distinta, exponiendo la situación de su país y las problemáticas que se viven, en este caso a través de un tono melodramático. La película hace un gran trabajo al mostrarnos la naturalidad de la relación entre madre e hija, no solo comprendiendo el lado amoroso, sino también explorando la complejidad de las consecuencias en las acciones que cada una realiza individualmente que terminan causando conflictos que afectan a la otra persona. Ligado a esto es interesante el hecho de como la película va proponiendo ciertas situaciones que terminan explotando dramáticamente; un ejemplo de esto es cuando Sara utiliza constantemente como excusa en su escuela que su madre está enferma de cáncer, algo que al inicio es solo una mentira inocente de una niña para librarse de sus responsabilidades, pero que eventualmente cuando Esma va a la escuela y se entera de las mentiras que está diciendo su hija, se genera un conflicto que rompe con la constante cercanía que se iba generando entre ambas. Sin embargo creo que el mejor ejemplo en donde las cosas terminan por explotar dramáticamente, es el origen del papá de Sara, que al inicio funciona como un aspecto de identidad para ella y nos da un contexto mayor sobre la situación de madre e hija y conforme avanza la trama se va volviendo un aspecto al que Sara se aferra por el sentimiento de conocer su origen. En un momento Esma menciona que el parecido de su hija con su padre es el cabello, recurso que regresa cuando Esma le cuanta la verdad sobre su padre a Sara y termina rompiendo con la estabilidad que ella sentía  y como respuesta a esto, Sara se rapa su cabello. Todo ese momento dramático se genera, no solo por el valor narrativo del conflicto, si no también por el uso de todos los recursos cinematográficos; empezando por las actuaciones, que a lo largo de la película se mantienen con naturalidad al contener mucho las emociones y evitando la exageración, lo que hace que en momentos de mayor carga emocional, se puedan permitir expresar mayores sentimientos, como lo es esa explosión de rabia entre ambas; también la cámara ayuda mucho a retratar ese momento de la mejor manera, utilizando más movimientos, empezando cuando la cámara sigue la acción de la cachetada que da Esma a su hija, o cuando Esma está golpeándola en la cama y la cámara se mueve conforme los jaloneos, esto no salta mucho puesto que en la mayoría de la película se utiliza planos estabilizados, pero con tener un poco más de movimientos esto hace que se destaque; finalmente en el montaje se utilizan cortes más largos en el momento de tensión en que Sara apunta con la pistola a Esma, y esto cambia a cortes rápidos cuando comienza la golpiza de la madre a su hija, escena que recuerda a una secuencia al inicio en que ellas pelean con almohadas en forma de juego, generando un contraste a través de la repetición de la acción, pero con un contexto diferente. Todo esto se me hace muy interesante por el hecho de como logra mantener una sutileza en su forma, para que se genere ese tono más serio, pero que en momentos con mayor drama, el cambio de la forma eleve el melodrama y por tanto la emoción transmitida.